RICHARD WAGNER
(Leipzig, Alemania 1813 – Venecia, Italia 1883)

Obertura del Holandés errante, WWV 63

(1841) – 11′

 WOLFGANG AMADEUS MOZART
(Salzburg, Austria 1756 – Viena, Austria 1791)

Concierto para piano y orquesta n.º 23 en La mayor, KV 488

(1786) – 26′

Allegro
Adagio
Allegro assai

Emma Stratton, piano

PAUSA 20’

JEAN SIBELIUS
(Hämeenlinna, Finlandia 1865 – Järvenpää, Finlandia 1957)

Sinfonía n. 2 en Re mayor, op. 43

(1901-1902) – 44′

Allegretto
Tempo andante ma rubato
Vivacissimo
Finale: Allegro moderato

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por Jacobo Zabalo

Desde los primeros compases, la obertura de Der fliegende Holländer sugiere un mar de turbulencias: una dramática travesía que se inspira en la leyenda de un marinero holandés condenado a vagar por los océanos. Compuesta por Richard Wagner en torno a 1841, en un momento de dificultades personales y económicas, condensa la urgencia narrativa y los motivos temáticos de la ópera que se estrenaría dos años más tarde en Dresde. Supuestamente inspirado, asimismo, por un viaje tempestuoso entre Riga y Londres, Wagner ensayó aquí un lenguaje innovador en el que los motivos musicales asociados a los personajes y al destino —los célebres leitmotivs— trasladan, de forma inmediata y sin conceptos, un significado identificable. Supone la transición entre la ópera romántica tradicional y un nuevo concepto dramatúrgico en el que música y acción forman una unidad inseparable y que se entenderá a la luz de la noción de “obra de arte total” (Gesamtkunstwerk) al integrar música, drama, poesía, escenografía y, eventualmente, danza.La obertura simula el rugido y el vaivén de una tormenta, antes de dar paso a temas que evocan el alma errante del holandés y la posibilidad de redención a través del amor, con pasajes más amables, de manera que anticipa —de forma condensada— la tensión dramática de la obra completa.

Completado el 2 de marzo de 1786 en Viena, en una primavera de gran intensidad creativa —pocos meses antes del estreno de Le nozze di Figaro y en medio de una serie de conciertos en los que Wolfgang Amadeus Mozart actuaba como solista—, su Concierto para piano n. 23 en La, KV 488, evidencia un magistral equilibrio entre lirismo y exhibición virtuosa, sin excederse en ninguno de los dos extremos. La instrumentación es generosa en maderas, además, obviamente, de cuerdas y piano, para potenciar una variedad calidoscópica en los diálogos entre orquesta y solista. Mozart acostumbraba a ubicarse con su pianoforte en el centro del conjunto para gestionar mejor las energías y erigirse en protagonista sin perder la noción de pertenencia a un todo. El allegro inicial es luminoso y abierto y melódicamente rico en las incursiones temáticas del protagonista, que, al mismo tiempo, será acompañado e invitado a ir más allá —de sí mismo— gracias a las interlocuciones orquestales. La inexplicable alquimia de los conciertos para piano de Mozart parece sustentarse en este pulso: dialéctica tensa, pero cómplice aún, que permite explorar una generosa gama de afectos en el intérprete —médium para el oyente— que ya anticipaba las explícitamente dramáticas aventuras del Romanticismo. Encontramos un ejemplo inmejorable de ello en el adagio en fa sostenido, introspectivo y un punto siniestro, que le sigue. Se inicia con los pasos ontológicamente desamparados del piano, que lo acercarán a una cierta sensación de consuelo —o, cuando menos, reconfortadora— en el curso de los ensoñadores diálogos con los vientos. El allegro assai del cierre adopta la clásica forma de rondó, que mantendrá Beethoven, en la que solista y orquesta se persiguen con un virtuosismo lírico y, a la vez, travieso. Es una invitación a la danza, a disfrutar del agradable vértigo de las fuerzas centrífugas en un presente que regresa y que nos interpela, siempre irrepetible, como una nueva oportunidad para la fructificación.

Tras el impulso virtuoso del concierto, la Sinfonía n. 2 en Re, op. 43, de Jean Sibelius abre un universo sonoro de una escala y profundidad majestuosas. Los recursos de una gran orquesta sinfónica se movilizan para crear un paisaje acústico notablemente expansivo del cual el oyente se siente invitado a formar parte, incluido necesariamente en la naturaleza invocada, para vivir una experiencia altamente emocional y, por lo tanto, también memorable. Compuesta en el contexto de un creciente sentimiento nacionalista ante la amenaza del Imperio ruso, esta sinfonía fue estrenada en Helsinki el 8 de marzo de 1902 —más de un año después del éxito de su poema sinfónico, e himno oficioso, Finlandia— bajo la dirección del propio Sibelius. A pesar de que nunca confirmó un programa explícito, la obra transmite una progresión dramática desde la tensión inicial hasta un final triunfal y luminoso. El público la recibió como un símbolo de búsqueda de la libertad y de la identidad nacional, hasta el punto de que algunos la denominaron “Sinfonía de la independencia”.

Musicalmente, combina una estructura de sinfonía clásica, en cuatro movimientos, pero con un lenguaje muy personal —de ahí buena parte de su originalidad— basado en el desarrollo “orgánico” de motivos. Desde su época de estudiante en Berlín, Sibelius sentía fascinación por los monumentos sinfónicos de Bruckner y las recreaciones míticas de Wagner. Su Segunda nos acerca a la inmensidad salvaje y bella de la naturaleza —lo sublime kantiano— gracias a la respiración amplia de las cuerdas, las evocaciones de las maderas y la energía potencialmente desatada de los metales. Empieza con un allegretto que alterna temas pastorales y temas que evocan una incertidumbre propiamente humana, con una tensión nada disimulada, pero todavía bajo control. Se exhiben ya motivos que permitirán tejer un relato sonoro cuando reaparezcan, transformados, a lo largo de la obra. El segundo movimiento parece lanzar preguntas incómodas al oyente, con una intensidad marcada por la poco frecuente indicación tempo andante ma rubato, mientras que el tercero, un vivacissimo con impulsos intermitentes, empuja a la orquesta a la enunciación, por el oboe, de una melodía conmovedora en su sencillez. Así se baliza el camino hacia la elevación, en el último movimiento: pasajes de exuberancia orquestal se sucederán como olas de una revolución creciente e incontenible —un latido de pura aceptación— para declamar un tema solemne y amoroso, inscrito en el alma de todo ser viviente. Abierta desde siempre como posibilidad, la paz de espíritu nos conecta con una verdad enigmática y trascendente.